martes, 16 de junio de 2009

El camino de la señal


micrófonos que utilizaremos:

Subido por Lucia Khabie

Para comenzar, debemos tener todo preparado en cuento a microfoneo y conexiones de la mixer y la pachera, así cuando llega la banda no se pierde
demasiado tiempo y comenzamos la grabación lo antes posible.
Hay millones de técnicas de microfoneo, eso varía según el asistente de grabación y la comodidad de los músicos. Lo único que se tiene que tener muy en cuenta, es la separación y control sobre cada uno de los elementos.

Los micrófonos que utilizaremos para la batería son:
2 SM81 para los aéreos.
1 micrófono a presión al bombo.
SM57 para el hi hat.
Se toma cada cuerpo (toms y tacho) de la batería por separado con los micrófonos del set de batería.


















Guitarra:
SM57 para el amplificador de la guitarra.





Bajo:
Se conecta por línea.

Voz:
AKG 414




Cosas que necesitaremos para la grabación:
12 cables canon-canon.
2 cables canon-plug.
2 plug-plug.
3 auriculares.
1 caja para conectar los auriculares.
1 anti pop.
1 cinta de papel.
1 marcador indeleble.


Mezcla de monitoreo:
Se conecta la caja de auriculares en la sala a la salida de auriculares 1.
Se pachea para que por el auxiliar 1 vaya al “L” de amp aur 1.
Grabaremos tanto la batería como el bajo en todas las todas de todos los temas en un principio y luego, la guitarra y por ultimo, la voz.

Durante la grabación, Hernán Paolini estará en el armado y en la computadora mac.
Hernán Rojkin estará en el armado y en el microfoneo.
Lucia Khabie estará en el armado y sacando fotos durante el transcurso de la grabación.
Julieta Grinberg estará en la parte de la filmación.

Cómo abrir el proyecto de Pro Tools.
Una vez prendida la computadora, buscar en la barra de programas que se encuentra en la parte inferior de la pantalla e iniciar el software. Arriba, en la barra de tareas, poner “nuevo proyecto” y crear una carpeta en proyecto final sexto año 2009. A partir de ese momento, abrir la cantidad de tracks que se necesiten y setear tanto la entrada al canal como la salida en la consola.

jueves, 11 de junio de 2009

Planificación de la charla con la banda “Lenines”

subido por Lucia Khabie



En cuanto a la grabación:

Para comenzar, debemos preguntarle cuántos temas tienen preparados para comenzar la realización y que si necesitan ensayo alguno, que lo prevean antes de la grabación así es mucho más fructífera la grabación. Luego, plantear cuáles efectos ellos preferirían usar y para cuáles temas deberán ser aplicados.
Es muy importante combinar previamente los horarios: tanto los suyos, como los nuestros, para una mejor coordinación y organización como así también la preferencia de equipos de la banda, es decir, si ellos tienen la preferencia de traer sus equipos o utilizar libremente los que le brindamos desde la escuela.


En la entrevista debemos tener en cuenta los siguientes tópicos:

- Compromiso de asistencia.
- Grabación: el orden que ellos prefieren grabar los temas, y cómo es que quieren comenzar con la misma.
- Poner en claro qué sonido quieren lograr, me refiero a que su buscaban algo en particular.
- Comentar que después de la grabación vamos a necesitar que al menos un integrante esté presente en el proceso de mezcla para que sea el “vocero” de la banda para con el resto de los integrantes.
- Hablar con respecto a la presentación del proyecto.



En cuanto al DVD a realizar:

Estamos abiertos en todo lo que tenga que ver con en DVD, pero sin dejar de lado la propuesta que le plantearemos:
Una posibilidad es realizar un DVD que contenga todo el show en vivo, es decir, el recital muy bien editado y presentado.
Por otro lado, una posible propuesta es realizar un DVD que contenga toda la etapa de la creación de la banda, combinándolo a su vez con imágenes de la misma y que ese DVD esté musicalizado por el mismo grupo.

viernes, 5 de junio de 2009

Informe Proyecto Final: Coordinación de la productora.

Subido por: Lucia Khabie.


Una vez decidido el proyecto a realizar, Hernán Rojkin propuso una banda de Rock para producirla. La escuchamos, y luego de la aprobación del grupo, me encargué de verificar que todos los ámbitos de estudio estén disponibles para la realización de diferentes tareas.
Continué con la creación del Blog. Subí la primera y la segunda actividad que la fuimos realizando entre el grupo. Surgió un pequeño inconveniente: nos dimos cuenta que habíamos mezclado información en las respuestas, entonces tuve que volver a subir la mayor parte de las cosas prolijamente para un mejor entendimiento del contenido. Una vez dada la consigna de que cada uno debía investigar sobre el rol que ocupa en la productora, me ocupé de que cada integrante lo esté haciendo y, cuando concluya, me lo mandara así lo subía al blog.
Con respecto a la banda en cuestión, nos estamos comunicando para poder tener una cita con ellas.

martes, 2 de junio de 2009

Productor discografico musical (Hernán rojkin)

En la industria musical, un productor discográfico (o productor musical) juega varios papeles, como controlar las sesiones de grabación, el instruir y el guiar a los intérpretes, y el supervisar la grabación, la mezcla, y el proceso de masterización. Estas han sido algunas de las principales funciones de los productores desde la creación de la grabación de sonido, pero en la segunda mitad del siglo XX los productores han tomado un mayor papel empresarial
El productor musical organiza y supervisa las sesiones de grabación, paga a los técnicos, músicos y arreglistas y algunas veces escogía material para el artista. En la mitad de la década de los 50 emergió una nueva categoría: la de los productores independientes. Este cambio fue facilitado por la introducción de la tecnología de grabación de cinta magnética de alta fidelidad, que alteró considerablemente los procesos y la economía de la grabación de música. A diferencia de los antiguos estudios, que eran parecidos a una "tienda cerrada", estos nuevos estudios podían ser usados por cualquier artista no asociado a las grandes casas discográficas.
- controlar las sesiones de grabación: se organiza una entrevista con la banda previa a la grabación donde se elige, la cantidad de temas a grabar, como se quieren grabar y los tiempos que llevaría la grabación. También los arreglos musicales que se les podría agregar a los temas según el interés de la banda y el genero.
- Guiar a los intérpretes: se guía a la banda como hacia el estilo que se quiere lograr y hacia el sonido exacto y original de la banda.
- Supervisar la grabación: se exige que todo lo que se grabe sea como lo planeado en la pre producción, (en la reunión previa).El tipo de micrófonos, de instrumentos, amplificadores, etc.
- Mezclas y procesos de masterización: Hay quien opina que la masterización no existe, que es un parche a una mala mezcla. Realmente, aunque no estoy totalmente de acuerdo, no deja de tener razón. En general, una buena mezcla requiere un proceso posterior mínimo. El problema es que, durante el proceso de la mezcla, se tiende a equilibrar unas pistas con otras sin tener claro cómo debe sonar el conjunto ?acrecentado por la fatiga auditiva?. Esto se evitaría en gran medida teniendo una pista como referencia constante durante la mezcla o usando un analizador de espectros.Entonces, ¿cuál es el objetivo de la masterización? En primer lugar, conseguir uniformidad entre las pistas, de forma que no existan grandes diferencias de sonido dentro de un mismo trabajo; conseguir que suenen igual en cualquier equipo de audio, corrigiendo picos que han pasado desapercibidos en los monitores de referencia usados en las mezclas; y ganar algunos dB de volumen medio. En este último punto hay una gran polémica, pero esta nueva tendencia de apurar al máximo el volumen de una canción tiene su explicación en la psicoacústica. Para el oído humano, una canción que tiene más volumen que otra es percibida como mejor de forma inconsciente. Este curioso efecto es el motivo por el que se tiende a comprimir y limitar al máximo posible cada pista, consiguiendo, en muchos casos, que la pieza pierda toda la dinámica, siendo este un terrible error.Propongo una situación real y habitual: acabas de terminar de mezclar unos temas y te gustaría que sonasen correctamente en cualquier sistema de audio y que tuvieran coherencia entre ellas. Sin duda necesitan una masterización, un ajuste común y preciso. Por tanto, coges tus pistas y las cargas en tu editor de audio y te dispones con tus bien conocidos monitores de campo cercano a masterizarlas... Sin duda estás comiendo de entrada tres errores bastante importantes: primero, nunca se debe masterizar sin descansar los oidos. Unos oídos viciados tenderán a destacar frecuencias en la mezcla; en segundo lugar, unos monitores de campo cercano no son lo más apropiado para masterizar, al no ofrecer una respuesta clara y amplia de todo el espectro; y en tercer lugar, tú no deberías nunca masterizar tus propias mezclas, puesto que hay detalles que ya pasas por alto por el vicio de escucharlos una y otra vez. Por tanto, lo mejor es recurrir a un buen profesional siempre que se pueda. La normalizaciónUno de los objetivos principales de la masterización de un disco es que las canciones sean percibidas a un mismo nivel medio. Cuando empiezas el ajuste de varias pistas, el primer paso lógico es normalizarlas de forma que el pico de volumen más grande coincida con el máximo permitido. En principio esto es innecesario puesto que, mediante la compresión y limitación, vamos a ajustar las pistas para que suenen todas a un volumen medio similar y al normalizar podemos perder sutilezas. Sólo cuando una pista muestre un volumen demasiado bajo se requeriría una normalización. Además, en ese caso, si la pista fue mezclada a 16 bits, la normalización puede aumentar el nivel general del ruido de la pista, con lo que es más conveniente volver a la mezcla y subir el nivel de la mezcla.Compresión multibandaCon un compresor multibanda se pueden hacer ajustes muy precisos sobre las distintas bandas. Son útiles para destacar o atenuar instrumentos o frecuencias descontroladas. La diferencia más importante con la ecualización es que la ecualización recorta las frecuencias seleccionadas en todos los casos, mientras que un compresor ajustado a una banda de frecuencias sólo actuará cuando el volumen de esa banda supera el umbral establecido. El compresor multibanda es muy útil para retocar el equilibrio espectral, pero adquiere su mayor esplendor cuando se usa en modo M-S.

Software de masterizaciónComo comenté al principio del artículo, las soluciones en software para masterización ofrecen mayores ventajas que sus equivalentes en hardware. Realmente, se puede masterizar con cualquier programa que permita añadir plugins de efectos y modificar sus parámetros en tiempo real, con lo que abre mucho nuestro abanico, pudiendo ser desde un secuenciador (Pro Tools, Nuendo, Logic, etc.) hasta un editor de audio (Spark, WaveLab, SoundForge, etc.) o un programa especializado (T-Racks).Entre los editores de audio, los más especializados son Spark y WaveLab. Spark permite el ruteo de la señal a través de distintos efectos, pudiendo separar los canales y procesarlos independientemente de formas muy complejas. WaveLab trae un rack que permite la carga de varios efectos simultáneos y tienes opciones avanzadas de análisis del audio. Existen otras opciones como Peak o SoundForge, pero dan menos facilidades a la hora de masterizar.

Información de video (Julieta Grinberg)

¿Cómo hacer un video clip?

·
Con video
o
Utilizando un videocámara
o
Escribir el argumento
o
Filmar
o
Adquisición
o
Montaje de video
·
Con imágenes
o
Con imágenes
o
Montaje de video
o
Programas para hacer un "slide-show”
·
A partir de videos e imágenes
·
Conclusión

Utilizando un videocámara


Para utilizar una videocámara es necesario conocer sus funciones básicas.
Antes de comenzar asegúrate de tener la batería cargada, adicionalmente también puedes tener una segunda batería cargada. Lo mismo con los cassettes o DVDs, el medio que la videocámara utilice. Siempre tener uno demás en caso de que el primero no funcione.


Escribir el argumento

La realización de un video clip debe disponer de una medida de tiempo previamente determinada. Elegir un tema (por ejemplo: las flores), tu argumento se compondrá de un inicio y un final del video clip. Entre estos dos puntos, deberás organizar el desarrollo de las secuencias a tu gusto.Podrás ordenar el desarrollo del videoclip en función de diversas características, basadas en tu creatividad. Algunos ejemplos:
· El color de las flores (sucesión de colores),
· Los lugares (sucesión de flores: de ciudades, de la planicie, de la montaña),
· Los tipos (margaritas, rosas, amapolas, etc.)
También puedes escribir tu argumento, simplemente, en función de la cronología de las tomas que has hecho. Tambien puede hacerse un “storyboard”, es decir, un esquema dibujado en el que se plasman las tomas que luego serán filmadas.



Filmar

Ya que la duración de tu argumento se limita a la duración de la música que elegiste (por ejemplo: 5 minutos), se te recomienda que realices tomas (secuencias) de corta duración (por ejemplo: 30 segundos por toma). De este modo, tus secuencias podrán ser numerosas, lo que te permitirá tener una mayor cantidad de tomas de donde podrás seleccionar las que tengan una mejor calidad de filmación.
Para la realización de las tomas: saber de encuadre, iluminación básica, zoom. Esto hará que tus imágenes sean similares en cuanto a calidad, y luego puedan ensamblarse fácilmente en el montaje final. Incluso, las tomas deberían coincidir con ciertos efectos musicales (golpes de bombo, gritos, un platillo, etc.).



Adquisición

La adquisición de tus secuencias de video al PC puede ser hecha con una conexión directa (USB, 1394) si dispones de una videocámara digital.
En el caso de una videocámara clásica o DV, deberás utilizar una tarjeta (interna o externa (caja USB)) de adquisición de video y un programa que controle tu equipo.
El software que viene con tu videocámara también puede cumplir esta función (ver el folleto de uso de tu equipo).


Montaje de video

El montaje de video de un video clip simple de 5 minutos de duración puede ser hecho con un programa de montaje (o de edición). Una vez que tus secuencias estén en el disco duro de tu PC, sólo tienes que importarlas a tu programa de montaje.Un programa de montaje también puede ser entregado con tu videocámara. También puedes realizar el montaje con un programa de fácil uso como Windows Maker por ejemplo (para los sistemas de Microsoft).
· Importa tus secuencias de video, música, al programa de montaje,
· Coloca la música en la “time-line” (línea de tiempo),
· Coloca las secuencias de video en el orden elegido en tu argumento.
Una ventana de visualización final te permitirá ver rápidamente tu montaje actual. Agrega las transiciones de inicio, fin, así como las transiciones que permitirán leer todas tus secuencias. Observa el resultado en la ventana de visualización.

Con respecto al sonido, si es preciso agregar efectos (caídas, golpes, voces de radio, etc.) hacerlo antes de pasar al siguiente paso. Importar los clips y hacerlos coincidir con los eventos en la línea de tiempo. Puede editarse con programas como Cool Edit, Wave Pad, o si se dispone de él, Adobe audition o Sony Sound Forge, entre otros. La duración de tu montaje de video debe corresponder a la duración de la música que elegiste.
Una gama intermedia de programas te pueden permitir progresar. Existen también programas mas elaborados pero su uso es un poco más complicado, como
Adobe Premiere.

El procedimiento es el mismo para imágenes o fotos. Tu programa de montaje te permite también obtener imágenes, fijarles una tiempo para que aparezcan en la pantalla (por ejemplo: 5 segundos de aparición por imagen). La creación de un video clip a partir de fotos o imágenes da como resultado un archivo de video. Montaje de video * Importa tus imágenes, música, al programa de montaje, * Coloca la música en la “time-line” (línea de tiempo), * Coloca las imágenes en el orden elegido de tu argumento.


Si estas conforme con el resultado, sólo te queda exportar el montaje realizado en un sólo archivo de audio/video. La exportación se hará en el formato que prefieras (.avi, .mpg, .wmv) después de haberle dado un nombre al archivo.


Formatos de video:

DVDrip: es copiar una película DVD con la misma calidad pero sin menus, extras ni opción de idioma. (Fuente Yahoo)

DivX: es un formato de video que funciona sobre los sistemas operativos Windows y MacOS actuales y que, combinado con la compresión de audio MP3, consigue una alta calidad de imagen superior a la del VHS (Fuente Wikipedia).

XviD: es un codec de video compatible con MPEG4 y la gran alternativa a Divx. Lo que promete es: superar la calidad de Divx (en cualquiera de sus versiones) y convertirse en un encoder de referencia, 100% compatible con MPEG4. (Fuente www.divx-deux.com)

Avi: El formato AVI (Audio Video Interleave) es el formato standard de video digital. Su funcionamiento es muy simple pues almacena la información por capas, guardando una capa de video seguida por una de audio. Cuando capturamos video hacia nuestra computadora llega en formato AVI. Puede generar archivos muy grandes y de difícil manejo. (Fuente Maestrosdelweb) (Utilizado en el mini-proyecto de edición del acto del 25 de mayo)

MPEG: El formato MPEG (Moving Picture Experts Group) es un standard para compresión de video y de audio. Al ser creado se establecieron 4 tipos de MPEGs, MPEG-1, MPEG-2, MPEG-3 y MPEG-4. Cada uno de estos según su calidad. De aquí nace el popular formato MP3 para audio. (Fuente Maestrosdelweb)

ASF: Advanced Streaming Format (o ASF, posteriormente renombrado a Advanced Systems Format) es un contenedor multimedia de audio y video digital propiedad de Microsoft, diseñado especialmente para el streaming. El formato no especifica cómo debe ser codificado el video o audio, en vez de eso sólo especifica la estructura del flujo de video/audio. Lo que esto significa es que los archivos ASF pueden codificarse con prácticamente cualquier codec de audio/video sin que deje de ser formato ASF. Esta función es similar a la llevada a cabo por los formatos QuickTime, AVI u Ogg. Los tipos de archivo más comunes contenidos en un archivo ASF son Windows Media Audio (WMA) y Windows Media Video (WMV). (Fuente Wikipedia)

RatDVD: Es un DVD comprimido que conserva toda la calidad del DVD original y que ocupa 4 veces menos espacio que el original DVD. Facilita la subida o descarga y el almacenamiento reduciendo el tiempo de estas labores. En definitiva es un compresor de DVD que al descomprimirlo con el programa RatDVD vuelve a ser el DVD original sin haber perdido nada de su contenido y calidad. (Fuente http://www.taringa.net/posts/tv-peliculas-series/1875667/RatDVD-El-DVD-comprimido.html)

MOV: es una instrucción en el lenguaje ensamblador de la mayoría de procesadores, cuyo propósito es la transferencia de datos entre celdas de memoria o registros del procesador. Adicionalmente mov también permite el uso de datos absolutos, como por ejemplo mover el número 10 a un registro del procesador. Está disponible en procesadores intel pentium, amd y sparc entre muchos otros, es a la práctica, una instrucción de ensamblador básica en cualquier procesador. Adicionalmente, en el sistema operativo Windows de Microsoft, los archivos asociados a Quicktime tienen la extensión mov. (Fuente Wikipedia)

Rmvb: es la sigla de Real Media Variable Bitrate. Es un formato de contenedor multimedia desarrollado por RealNetworks a partir del formato RealMedia. Se diferencia del original en su capacidad para almacenar flujos de datos con bitrate variable en vez de constante. Su extensión es .rmvb (real media variable bitrate) y, usado habitualmente con los códecs de vídeo y audio RealVideo y RealAudio, se consigue un tamaño de archivo más pequeño que con formatos como MPEG. De esta forma, se mantiene una calidad similar con mayor razón de compresión. (Fuente Wikipedia)

Ogg: es un formato de archivo contenedor multimedia, desarrollado por la Fundación Xiph.org y es el formato nativo para los códecs multimedia que también desarrolla Xiph.org. El formato es libre de patentes y abierto al igual que toda la tecnología de Xiph.org, diseñado para dar un alto grado de eficiencia en el "streaming" y la compresión de archivos. (Fuente Wikipedia)

Streaming: es un término que se refiere a ver u oír un archivo directamente en una página web sin necesidad de descargarlo antes al ordenador. Se podría describir como "hacer clic y obtener". En términos más complejos podría decirse que describe una estrategia sobre demanda para la distribución de contenido multimedia a través del internet. Este tipo de tecnología permite que se almacenen en un búfer lo que se va escuchando o viendo. (Fuente Wikipedia)

Códec: es una abreviatura de Compresor-Descompresor. Describe una especificación desarrollada en software, hardware o una combinación de ambos, capaz de transformar un archivo con un flujo de datos (stream) o una señal. Los códecs pueden codificar el flujo o la señal (a menudo para la transmisión, el almacenaje o el cifrado) y recuperarlo o descifrarlo del mismo modo para la reproducción o la manipulación en un formato más apropiado para estas operaciones. Los códecs son usados a menudo en videoconferencias y emisiones de medios de comunicación. (Fuente Wikipedia)

SVCD: o Super Video CD, es un simple CD grabado en un formato especial, que contiene video MPEG2, es decir, el mismo sistema de compresión usado en un DVD. (Fuente www.divx-deux.com)

VCD: Video CD, Compact Disc Digital Video es un formato estándar para almacenamiento de vídeo en un disco compacto. Se pueden reproducir Video CD en reproductores adecuados, ordenadores personales y muchos reproductores de DVD. En general, la calidad es comparable a la del formato VHS, aunque los efectos de la compresión pueden ser apreciables en algunos casos. (Fuente Wikipedia)

VCD-R: CD de solo lectura - Se puede grabar en él solo una vez.

VCD-RW: CD de lectura y escritura, o sea que permite su reproducción y también grabar en el, borrar y volver a grabar.

Informe de video (Julieta Grinberg)

El viernes 22 de mayo, en el acto por el 25 de mayo organizado por los alumnos de 6to Producción musical, algunos representantes de video de cada productora se encargaron de la filiación del mismo en el auditorio de Río de Janeiro. Se contaba con 6 baterías cargadas, 3 casettes, 3 cámaras y dos trípodes, por lo tanto, una de ellas Móvil y dos fijas. La primer fija se montó en el centro del escenario (camara1) otra de las fijas en el extremo izquierdo (camara2), y la móvil en el extremo derecho (camara3). Antes de comenzar a filmar combinamos una estrategia de filmación, la camara1 tomaría la totalidad del escenario, la camara2 la cara de los personajes que miren hacia la izquierda, y por lo tanto, la espalda de los personajes que miren hacia la derecha, opuesto a esta filmaría la camara3, solo que ésta, al ser móvil, contaría con un mayor movimiento de cámara, generando distintos planos (picado, contrapicado, etc). A finales del acto, la camara1 (la central), se apagó debido a la falta de la segunda batería y no pudo filmar el final de la representación, de todos modos las otras dos cámaras se encargaron de filmarlo desde distintos planos y ubicaciones. Otro punto a tener en cuenta es que durante la filmación se utilizaron los micrófonos de las filmadoras, y de esta manera, el sonido es muy pobre. (El propósito del proyecto era la práctica con la cámara, y su edición de video)
El martes 26 de mayo, nos encargamos de digitalizar el video, para poder editarlo, y grabarlo en un dvd.
La digitalización
Conectamos las entradas de video y de sonido stereo de la filmadora, a una digitalizadora (Ya que la entrada de firewire no respondía) conectada a la PC mediante su puerto usb. Mediante el software de la digitalizadora: “Pinnacle Studio” y decidiendo mediante la filmadora lo que entra y lo que no a la PC, guardamos los archivos en una carpeta.
La edición ( Adobe Premiere 1.5)
Importas, uno a uno, los archivos desde la carpeta y los vas recortando y entrelazando mediante distintos efectos (Windows effects).
Para exportar la edición, buscas el mejor compresor tanto como de video, como de audio posible. (Es decir, que de la mejor calidad, en el menor peso posible)
El archivo comprimido, en formato AVI.

Informe De sonido en vivo

Investigación en conjunto (Apkiewitz - Paolini)

Sonido en vivo:

Para realizar el sonido en vivo es necesario tener en cuenta los siguientes:

Micrófonos
Cuánto dinero quiere gastar, dónde piensa usar su micrófono y para qué son las mayores consideraciones al momento de elegir entre dos tipos principales.

1. Dinámicos
Los micrófonos más comunes para configuraciones de música en vivo, los dinámicos, no requieren una fuente de energía o baterías para funcionar y son extremadamente duraderos. Los dinámicos pueden soportar altos niveles de presión de sonido, pero no funcionan bien con sonidos de alta frecuencia, silenciosos o distantes.

Cuando se usan en grabaciones, generalmente se usan con guitarras eléctricas, baterías y bajos.

2. Condensadores
Son livianos y eficientes para traducir señales en sonido. Los más grandes se usan más para voces porque ofrecen un sonido favorecedor, cálido, mientras que los condensadores más pequeños se usan cuando se necesitan frecuencias altas y precisión.

3. Modelos
Antes de comprar, pregúntese "¿voy a usar el micrófono para grabar, cantar o amplificar el sonido de un instrumento?" De ahí, verifique las recomendaciones de los fabricantes y de los expertos de modelos individuales diseñados con ese uso en mente. Puntos importantes para comparar de modelo a modelo: frecuencia, sensibilidad y restricciones.

Auriculares
1. Circumaural (Grandes)
Circumaural se refiere al modo en el cual los auriculares cubren sus oídos, en este caso, los rodea y los cubre con grandes auriculares acolchonados. Vienen en ambos modelos abiertos y cerrados.

2. Supra-aural (Chiquitos)
Estos auriculares se colocan sobre sus oídos y generalmente son más livianos y más cómodos de usar. Sin embargo, al no ofrecer demasiado aislamiento, si es que ofrecen algo, generalmente se usan en una configuración informal para escuchar o grabar música.

3. Entradas y calidad
Del mismo modo que con su interfaz de audio, asegúrese de contar con suficientes entradas para todos los micrófonos de los cuales está grabando. Y una vez más, cuanto más alta sea la profundidad de bits y la frecuencia de muestreo de su grabador, mejor será la calidad y el verdadero sonido que grabará.


3. Parte trasera abierta
También llamadas aire libre, las partes traseras de los auriculares son abiertas y no aislantes. Dado a que permiten que los sonidos entren y salgan, no son una buena opción para la grabación en estudio. Sin embargo, le sirven a los DJ que quieren escuchar los sonidos circundantes al mismo tiempo que escuchan la música que están mezclando. Su sonido liviano mantiene la fatiga auditiva al mínimo así que pueden ser usados por períodos prolongados.

4 Cerrados
También llamados sellados, los auriculares están completamente cerrados y aíslan el sonido que pasa a través de los auriculares. Es ideal para grabar porque los sonidos no se filtran, que luego puedan ser captados por micrófonos cercanos; y por DJ que prefieren eliminar sonidos que los distraigan. Son conocidos por causar fatiga auditiva así que generalmente no se los usa por largos períodos de tiempo.

Mezcladores PA
Los mezcladores son un componente importante en un sistema PA. Puede sacar su sonido sin uno, pero puede afinar y controlar el sonido mucho más con uno. Piense en cuántas capacidades de enrutamiento necesita (la entrada y salida de cables y equipos) y luego vaya a comprar uno.

1. Analógico
Analógico no quiere decir antiguo. Muchas personas todavía son fanáticas de un sonido cálido, una respuesta inmediata y de los atenuadores dedicados que estos mezcladores con tablero de circuito ofrecen. Quienes quieren obtener mezclas simples, o quienes tienen muchos sintetizadores están a favor de los análogos.

2. Digitales
Un beneficio clave de los mezcladores digitales es su habilidad de programación. Puede guardar configuraciones de varios eventos, sesiones, inclusive de una canción a la otra y luego recordarlas fácilmente. También son pequeños y livianos, logrando que sean bastante portátiles, y la calidad de sonido ha mejorado durante los últimos años. A pesar de que los mezcladores digitales le brindan la opción de grabar su interpretación con rapidez, no puede realizar ajustes de la calidad de sonido tan rápido como en un analógico.

3. Activos
Los mezcladores activos son básicamente analógicos con mayor amplificación. Ofrecen el mismo tono cálido sin resonancia digital y son más portátiles. Además, son más rápidos y simples de ajustar y más duraderos.

Aunque tiene menos controles y obtiene una menor potencia que con un amplificador separado incorporado a un analógico, un mezclador activo de alta calidad es una buena opción para músicos que toquen en pequeños eventos; obtiene una combinación todo en uno con un mezclador, efectos y potencia a los altavoces.

Amplificadores de potencia
Los altavoces de un sistema PA se llevan toda la gloria, pero necesitan un amplificador de potencia para lucir sus habilidades. El amplificador de potencia adecuado debería elegirse junto con los altavoces, y aquí hay algunas consideraciones.

1. Vatios
Necesita asegurarse de que su amplificador de potencia pueda proporcionar tantos vatios como requiere el altavoz; algunos expertos sugieren que su amplificador debería producir el doble del promedio de vatios que el altavoz dice poder manejar. Los altavoces que obtienen muy poca potencia se dañan más que los que obtienen mucha.

2. Ohmios
La mayoría de los amplificadores de potencia de audio están diseñados para funcionar con 4, 8 o 16 ohmios de resistencia y la clasificación de ohmios de su amplificador de potencia debería coincidir con la de sus altavoces.

3. Cable
Al conectar el amplificador de potencia al altavoz es mejor usar un cable amplio dada la cantidad de electricidad que pasa de uno a otro. El amplificador tiene menos tensión y el sonido se transporta mejor a través de un cable ancho.

4. Mantenimiento
Al alimentar su sistema, el amplificador de potencia debería ser lo último que encienda y lo primero que apague para prevenir daños a los equipos conectados al mismo.

Altavoces
Al final, todo depende de los altavoces. Después de todo, es a donde todos recurren para escuchar el sonido. Sólo recuerde que no necesita llenar un escenario; siempre puede agregar altavoces a su sistema según lo necesite.

1. Vatios
Eventos de músicos con reservaciones para centenares de personas pueden requerir altavoces de 500 a 1,000 vatios o más. Pero para quienes toquen en su casa o en pequeñas actuaciones en una cafetería, de 300 a 500 vatios en un altavoz deberían ser suficientes.

2. Altavoces PA activos
Los altavoces activos pueden ser una opción conveniente ya que proveen todo lo que necesita en un solo gabinete. Eliminan las molestias de transportar amplificadores y cables pesados y tampoco se tiene que preocupar por hacer coincidir el amplificador de potencia con el altavoz. Sólo recuerde que requieren accesos a salidas eléctricas adicionales.

3. Subwoofer
Se usa para cuando se requiere una óptima reproducción de los sonidos de baja frecuencia.

Otro dato interesante que encontré fue como eliminar el feedback del monitoreo:
Para hacer esto es necesario tener el equipamiento adecuado, al escuchar el acople que se genera en el monitoreo uno debe usar su oído para registrar la frecuencia o de no ser habil al registrar frecuencias se puede usar un RTA ( Analiador en Tiempo Real). Una vez identificada la frecuencia se debe aplicar un filtro Notch, de Q pequeña y reducir 5 Db esa banda. Si la ecualizacion no sirve para eliminar el feedback se deberia reconsiderar rehacer el nivel de la ganancia de todos los canales.

Mezclar en vivo:

Al realizar mi investigación me tope con información que me nutrió acerca de la mezcla de sonido en vivo:
Para empezar, hay que tener en cuenta ciertos aspectos característicos del recinto en el cual ocurrirá el evento, como por ejemplo, la dimensión del mismo, la capacidad de aislamiento de las paredes, la forma del recinto para tener en cuenta los rebotes y la cantidad de gente que va a estar espectando.
Hay que tener en cuenta también que uno quiere amplificar los sonidos que no se oyen fácilmente en el recinto, como una voz, un bajo o una flauta por ejemplo, y no amplificar lo que no requiere amplificación, como una batería en un ambiente pequeño por ejemplo.

Preparación y operación de maquinaria tecnológica para evento musical:
Al ver un show multimedial con sonido en vivo, uno observa que hay equipos, mezcladoras, amplificadores, micrófonos, altavoces y muchos cables distribuidos, pero para que todo llegue a su lugar y este en orden para funcionar se requiere una serie de pasos anteriores que son los siguientes:

Hacer una lista del equipamiento necesario para el evento
Revisar que este todo en condiciones
Transportar los equipos desde el depósito de equipos hasta el lugar donde va a formar parte el evento
Ubicar los equipos donde corresponden, teniendo en cuenta distancia entre instrumento y mixer en relación al largo de los cables y la distancia entre equipo y tensión en relación a la cantidad de zapatillas.
Enchufar a tensión todos los equipos, conectar los instrumentos a los canales de la consola, los altavoces principales (para que escuche la gente) al Output Master, el monitoreo enviado por los auxiliares por la salida de auxiliar y si se va a grabar en una grabadora se envían los canales a grabar a los submasters y la salida del submaster a la entrada de la grabadora.
Se prenden los equipos, se prueba sonido, se deja la consola configurada para la ejecución en vivo ajustando el volumen a cada instrumento y ajustando la preamplificación a los micrófonos para que suenen con nivel pero que no saturen.
En caso de conectar procesadores, estos se usan a través de los auxiliares (por envío) y volver a la consola, o pueden ser por inserción y conectarlos directamente al canal deseado.

Informe de grabación.

Investigación : Hernán Paolini

Camino de la señal.

Elementos:

· Guitarra (Micrófono al amplificador).
· Bajo (Por línea).
· Voz.
· Redoblante.
· HI HAT.
· Aéreos 1.
· Aéreos 2.
· TOM 1.
· TOM 2.
· TOM 3.
· RIDE.
· Bombo.










La grabación no es por simultáneo, si no cada instrumento por separado a excepción del bajo y los elementos de la batería.

Conectamos los micrófonos a la pachera de la sala y seleccionamos en la mixer mic o line según corresponda.

El monitoreo: Se mandan los elementos a monitorear a través del bus auxiliar. En la sala conectamos la caja de auriculares a las entradas de auriculares luego de pachearlo a esa entrada desde el control room.

Seleccionamos los canales a los sub masters que están normalizados a los canales de Pro Tools y seleccionamos las vueltas a otros canales. Esos últimos son mandados por el master para el monitoreo en el control room.

Técnicas de microfoneo:
Platillos (aéreos): Uno o más micrófonos son necesarios para reproducir, detalladamente, las transientes de alta frecuencia de los platillos, y para proveer un sonido del conjunto de la batería. Debido a las transientes, usualmente se eligen micrófonos de condensador por las características de su respuesta en las altas frecuencias. A pesar de que la elección de la posición de los micrófonos es muy subjetiva, existen dos métodos muy populares: el posicionamiento de 3 a 1, y el coincidente.






Posicionamientos típicos de micrófonos para overheads.

Para obtener una imagen estéreo más amplia cuando se utiliza un par en posicionamiento de 3 a 1, deben apuntarse los micrófonos un poco hacia afuera. En el caso que se presenten problemas de fase, debidos a la diferencia en los tiempos de llegada de las ondas sonoras a cada micrófono, puede intentarse la ubicación de los micrófonos en un arreglo de par coincidente X/Y. De ésta manera se mantiene la imagen estéreo, y como los sonidos llegan casi al mismo tiempo a ambos micrófonos, se elimina el problema del desfase.

Tambor:Debe hacerse un compromiso entre la ubicación ideal del micrófono y los movimientos del baterista. Por lo tanto, una de las primeras consideraciones es encontrar un lugar seguro para el micrófono, donde no sea golpeado por un pase de palillos.Para un sonido de rock o pop, el micrófono es generalmente ubicado sobre el aro superior del tambor, a una distancia de 3 cm. El micrófono debe ser apuntado para alcanzar la mejor separación de los otros cuerpos de la batería y los platillos. Es común que estos micrófonos sean cardiodes o hipercardiodes, con su ángulo de rechazo orientado al Hi-Hat o los toms, según las necesidades de separación. En determinados casos o estilos musicales, es necesario tener el sonido de la bordona un poco más presente en el sonido general. Esto puede obtenerse poniendo otro micrófono en la parte de abajo del tambor apuntando hacia arriba. Como el parche de abajo vibra con fase inversa al superior (180º), puede ser conveniente aplicar el inversor de fase en éste micrófono.Hi-Hat:El sonido del Hi-Hat está en el mismo rango general que el tambor, pero el Hi-Hat produce mucho más energía de alta frecuencia, mientras que el sonido del tambor está concentrado en el rango de frecuencias medias. Con el Hi-Hat deben considerarse cuatro puntos:+ El sonido es más brillante sobre el borde del plato superior.+ Ubicar el micrófono sobre el plato superior reproduce todos los matices del ataque del palillo.+ La apertura y cierre del Hi-Hat produce ráfagas de aire, por lo tanto el micrófono no debería ubicarse directamente en los filos del plato.+ Si se quiere utilizar un sólo micrófono para el tambor y el Hi-Hat, debería ubicarse equidistante de ambos y de espaldas a los tom-toms.Tom-Toms:Los toms Hi y Mid pueden microfonearse con dos micrófonos y como segunda posibilidad, también pueden microfonearse con un solo micrófono ubicado entre los dos. Cuando se toman en forma individual, el micrófono puede ubicarse cerca del parche superior a una distancia de 3 cm sobre el aro. Esto da un sonido con ataque y poco tono, con menos resonancia del cuerpo. Esta distancia puede extenderse hasta 10cm, dando un sonido más vivo. Cuando es tomado por debajo del cuerpo, sin el parche inferior, se obtiene un sonido con menos ataque y con más tono. En caso de ser necesario para los toms de pie, se recomienda colocar el micrófono unos 3 o 4 centímetros más lejos, para captar un sonido más vivo y lleno.Bombo:La reproducción de bajas frecuencias para altos niveles de presión es esencial para captar con calidad el sonido del bombo. Por lo tanto, debe utilizarse un micrófono diseñado para esta aplicación. Algunos micrófonos dinámicos de diafragma grande, como el AKG D-112 o D-12E, Electro-Voice RE-20, o el Beyer M-380 cumplen con éstas características de manera muy satisfactoria, ya que soportan altos niveles de presión con una respuesta extendida para las bajas frecuencias. Dentro del bombo, suele ubicarse una almohada o manta para amortiguar la resonancia del cuerpo, y dar un sonido más definido. Al ubicar el micrófono más cerca del parche batidor, se obtiene un sonido con más ataque y menos tono.

La guitarra para tomarla desde el amplificador se le coloca un micrófono dinámico y vas buscando el sonido, depende si la precisas más brillosa o más opaca, o sea con más graves.

El bajo se grabaría por línea.
La voz se graba con un condensador, y la posición dependería del patrón polar del micrófono. En el caso de ser cardioide, se coloca de frente al cantante, a la altura de la boca.
Por supuesto, antes de grabar se deben de chequear los niveles para conseguir los mayores posibles sin que sature. Queremos conseguir el mayor nivel posible debido a que después tenemos más calidad con la que trabajar.

Una vez que grabamos debemos de realizar la mezcla, donde modificaremos niveles, usaremos paneos y ecualizaremos. El criterio general es conseguir el mejor sonido conjunto y priorizar la calidad del tema, no de cada cosa por separado.

Luego agregamos los efectos que buscamos para cada instrumento, distorsión, Chorus, Flanger, etc. Después realizamos la compresión y una vez en el mastering pasamos nuestro archivo al formato que va a figurar en el CD.


Consejos para la ecualización en la mezcla:
No hay una regla exacta para la ecualización de una grabación, porque todas son diferentes, aún así, he aquí un par de ayudas extraídas de un blog.
http://www.todoexpertos.com/categorias/tecnologia-e-internet/equipos-de-sonido/respuestas/298352/ecualizacion

50hz: Incrementándola se hacen notar mas el bombo, tombs y bajo. Reducir los 50hz (aprox) permite tener líneas de bajo más reconocibles en el producto final, ya que aumentan los armónicos. 100hz: Increméntalo para dar más cuerpo a guitarras y cajas, también para dar calidez a piano y metales. Bájalo para dar CLARIDAD a las guitarras. 200hz: Auméntalo para dar relleno a voces, para endurecer guitarras y cajas. Reducir para eliminar el metal de los platillos. 400hz: Incrementar para dar claridad a las líneas de bajo reducir para evitar bombos y tombs acartonados reducir en platillos para eliminar ambiente 800hz: incrementar para dar ataque a los bajos reducir para evitar el metal de las guitarras 3khz: aumentar para dar ataque a las guitarras y también para tener voces mas claras y crudas reducir para eliminar guitarras y voces desafinadas.5khz: incrementar para dar presencia a voces, para dar ataque a bombos, toms y para dar pegada a bajos funky, también da mas ataque a los teclados y deja mas brillante la guitarra eléctrica. Reducir para ablandar guitarras.
7khz: aumentar para dar ataque a instrumentos de percusión. 10khz: aumentar para voces brillantes y guitarras muy brillantes, también para platillos más duros y contundentes.

En el caso de los paneos, se intenta que la base rítmica quede al centro, luego el resto de los instrumentos a la hora de panearlos se intenta que queden balanceados, si yo tiro una guitarra a la derecha el teclado debería compensar a la izquierda. La voz, en caso de ser prioridad, va al centro junto con la base rítmica.

Para modificar niveles hay que tener en cuenta primero como esta grabado (capaz que queda un nivel más arriba de lo habitual) y también la jerarquía que se le quiere dar a cada elemento. Por ejemplo, uno intenta que la voz principal quede más fuerte que el resto.

Para masterizar encontré la siguiente cita de un foro:
Desde mi perspectiva lo primero que hay que tener claro es la diferencia que existe entre mezlcar y masterizar. Si te vas por el lado de los plug ins (mediante un editor que permita su uso) el compresor multibanda de Waves C4 y Maximizador L1 (preferentemente como limitador para evitar picos) son herramientas poderosas que pueden tanto darle ese toque maravilloso a nuestros temas o echarlos a perder completamente. Como dicen, esto es algo que no se aprende en un foro pero que la información que aquí se comparte es una buena referencia, lo mejor es practicar e intentarlo, conocer bien nuestros altavoces y ubicar las limitaciones de nuestra instalación, como se ha dicho muchas veces, si se trata de algo profesional pues nada mejor que estudiar en forma o acudir con un profesional con todo lo que ello implica, ya que pueden encontrarte con un ingeniero de masterizacion que únicamente ecualize un poco y le meta un maximizador a topo para conseguir pegada en lugar de musicalidad...

Páginas en las que se solicitó información:

http://www.sonidoyaudio.com/foro/viewforum-forum:11.html
http://www.estudioveracruz.com/tecnicamicrofonobateria.html
http://autoproduction.abotch.com/es/pre-mastering-y-masterizacion.html
http://fdbaudio.blogspot.com/2009_02_08_archive.html